Antonio Affidato, l'arte tra tradizione e innovazione: «Ero un bambino che guardava suo padre, ora ho la mia identità»

È cresciuto tra il banco da lavoro e il fuoco della bottega orafa del celebre padre Michele, a Crotone, guardando l’oro prendere forma prima ancora di saperlo lavorare. Poi è partito: la Serbia, l’Accademia di Belle Arti di Catanzaro e quella di Brera, i master tra Roma, Londra, Bruxelles e Philadelphia. E infine ha scelto di tornare.

Antonio Affidato, orafo e scultore, oggi rappresenta la seconda generazione di un’azienda di famiglia e porta avanti, accanto a essa, una ricerca artistica personale che dialoga con la Magna Grecia: con Rara Avis ha dato un volto a figure come Pitagora e Milone, le sue opere sono state esposte accanto ai Bronzi di Riace e la sua Hera Lacinia guarda il mare dal lungomare di Crotone. In questa intervista racconta il peso e il privilegio di un cognome, il rapporto quotidiano con il padre, la differenza tra scultura gioiello e gioiello scultura, il futuro dell’artigianato nell’era dell’intelligenza artificiale e i consigli che dà, da docente, ai giovani calabresi che sognano di fare arte.

Sei cresciuto nella bottega d’arte di tuo papà Michele: qual è il primo ricordo che hai dell’oro, del fuoco e del lavoro sul banco?

Quando penso a quegli anni, la prima immagine che mi viene in mente è mio padre seduto al banco, concentrato sul suo lavoro. Io lo guardavo, incuriosito da quello che faceva e soprattutto da come lo faceva. Aveva una sicurezza nei gesti che da bambino mi sembrava naturale. Solo dopo ho capito quanti anni di lavoro ci fossero dietro.

Il fuoco mi affascinava tantissimo. Vedere l’oro scaldarsi, cambiare e poi prendere forma era qualcosa di magico, qualcosa che mi teneva lì a osservare. All’inizio non capivo tutti i passaggi, ma volevo vedere come sarebbe andata a finire, come da quel pezzo di metallo sarebbe nato un gioiello. Credo che la curiosità sia nata proprio così.

Del lavoro al banco ricordo soprattutto l’attenzione e la cura del dettaglio. Mio padre poteva fermarsi su un particolare che io quasi non riuscivo a vedere. A me sembrava già finito, e invece per lui c’era ancora qualcosa da sistemare. Crescendo ho capito quanto contasse quel tempo dedicato alle cose, quanto facesse la differenza.

Ma la bottega, per me, era anche il posto in cui potevo stare con lui. Mentre io scoprivo quel mondo, lui faceva il suo lavoro e, senza bisogno di grandi discorsi, mi trasmetteva qualcosa. Allora ero semplicemente un bambino che guardava suo padre. Oggi mi rendo conto che è lì che ho cominciato a imparare il mestiere, molto prima di mettere le mani sul banco.

L’Accademia di Belle Arti di Brera, la formazione all’estero, poi il ritorno in Calabria: cosa ti ha dato partire e cosa ti ha fatto tornare?

Partire mi ha dato la possibilità di costruire una formazione ampia, di confrontarmi con ambienti diversi e di capire quale fosse la mia strada. Ho iniziato all’Istituto d’arte, nella sezione di oreficeria e metalli, ma ho concluso le superiori in Serbia, dove ho potuto approfondire le tecniche orafe e scultoree, le pratiche artistiche contemporanee e anche l’arte sacra ortodossa: un’esperienza bellissima, che mi ha portato presto a misurarmi con un’altra cultura e a diventare più autonomo. Poi è arrivato il percorso tra l’Accademia di Belle Arti di Catanzaro e l’Accademia di Belle Arti di Brera, con la laurea in Arti Visive indirizzo Scultura, e i diversi master tra l’Italia e l’estero con cui ho continuato ad approfondire la mia preparazione e la mia ricerca artistica. Roma, Londra, Bruxelles, Philadelphia e molte altre città hanno costruito l’uomo che sono oggi, sia artisticamente sia umanamente. Ogni passaggio ha contribuito a dare maggiore consapevolezza al mio lavoro. Lo studio della scultura, in particolare, mi ha permesso di approfondire il rapporto con la materia, con i volumi e con lo spazio, sviluppando una ricerca personale. Venivo da un laboratorio in cui avevo visto fare e avevo imparato osservando; attraverso la formazione ho potuto interrogare quell’esperienza, darle nuovi riferimenti e trovare un mio linguaggio.

A un certo punto ho sentito il bisogno di mettere concretamente a frutto tutto questo. Avevo dedicato anni alla mia formazione e volevo che ciò che avevo imparato prendesse forma nel lavoro, nelle scelte, nei progetti. La possibilità di farlo in Calabria aveva per me un significato preciso: qui ci sono le mie radici e c’è un’azienda familiare di cui rappresenterò la seconda generazione. È un’eredità importante, che sento come una responsabilità e come una grande opportunità. Mio padre ha costruito qualcosa che merita continuità, cura e anche il coraggio di farlo evolvere. Accanto a questo c’è il mio percorso artistico, che porto avanti personalmente e che ha bisogno di spazio, ricerca e libertà. Sono due ambiti che fanno parte della mia vita e che possono alimentarsi a vicenda, pur mantenendo ciascuno la propria identità.

A farmi tornare è stato anche un legame fortissimo con la Calabria e con il Sud in generale. È un’appartenenza che sento profondamente e che incide sul mio modo di guardare le cose. Dopo aver conosciuto altre realtà, ho scelto di investire qui le mie energie e la mia preparazione. Volevo dare un seguito concreto al percorso fatto e contribuire, attraverso il mio lavoro, a un territorio al quale sento di avere molto da restituire.

Oreficeria e scultura: cosa ti dà l’una che l’altra non può darti? E cos’è, in parole semplici, la “scultura gioiello”?

Sia nell’oreficeria sia nella scultura, il mio lavoro comincia molto prima di mettere la matita sul foglio. Prima ci sono lo studio, la ricerca storica e il simbolismo: ho bisogno di approfondire ciò che voglio raccontare, di capire quali significati porti con sé e perché senta il bisogno di tradurlo in un’opera. Il disegno è già un momento in cui tutto questo comincia a prendere forma. Studiare una tecnica significa comprenderne la storia, conoscere le possibilità della materia e capire come quel sapere possa contribuire a esprimere un’idea oggi. È un modo di procedere che attraversa tutta la mia ricerca, indipendentemente dalle dimensioni dell’opera.

Il laboratorio di mio padre e la formazione accademica mi hanno dato strumenti diversi per affrontare questo processo. In laboratorio ho imparato quanto conti conoscere il mestiere, acquisire sensibilità attraverso le mani, rispettare i tempi della lavorazione e curare il dettaglio. Il percorso accademico mi ha permesso invece di approfondire le diverse tecniche e il pensiero artistico, e di dare maggiore consapevolezza a quello che faccio.

L’oreficeria mi offre poi una relazione particolare con la persona. Il gioiello viene indossato, entra nella quotidianità o accompagna un momento importante; al significato che gli ho dato si aggiunge quello di chi lo sceglie. E questo richiede un confronto preciso con il corpo: peso, proporzioni, movimento e vestibilità diventano parte dell’opera. La scultura invece mi dà maggiore libertà nella scala e nel rapporto con lo spazio. Posso sviluppare un’idea seguendo le sue esigenze espressive, senza doverla ricondurre all’indossabilità. Mi permette di affrontare la materia in un altro modo e di coinvolgere anche fisicamente chi osserva.

È qui che distinguo la scultura gioiello dal gioiello scultura. È una distinzione che uso per spiegare il mio approccio: nella prima, il punto di partenza è un’opera scultorea che cerco di portare in relazione con il gioiello; nella seconda, progetto fin dall’inizio un gioiello, dandogli una struttura e una forza espressiva scultorea. In entrambi i casi, però, alla base c’è lo stesso impegno di ricerca. Anche un’opera di pochi centimetri può racchiudere uno studio lungo, una storia e un significato complesso. La dimensione cambia; la profondità con cui la penso rimane la stessa.

Con Rara Avis hai dato un volto a personaggi di cui non esiste un ritratto: come si immagina il viso di Pitagora o di Milone?

Il primo passo, per me, è sempre cercare di conoscere la persona a cui voglio dare un volto. Prima di immaginare i lineamenti vengono lo studio, le fonti, la ricerca attraverso la numismatica, il contesto storico e il significato che quella figura ha assunto nel tempo. Che si tratti di un uomo, di un eroe o di una divinità, questo processo si svolge sempre al fianco di storici, archeologi, critici e curatori. È il metodo con cui affronto tutte le mie opere: prima di iniziare a disegnare devo capire che cosa voglio raccontare, come lo voglio raccontare, soprattutto perché lo voglio raccontare e su quali elementi posso lavorare. Le opere che realizzo sono una mia interpretazione, ma sempre costruita attraverso la ricerca. Questo mi dà gli strumenti per andare oltre una semplice rappresentazione visiva e continuare a interrogare l’uomo contemporaneo su ciò che di quell’epoca considero ancora attuale.

Non possiamo sapere quale fosse il loro vero aspetto, ma possiamo cercare un’espressione capace di restituire qualcosa della loro identità. Per Pitagora, per esempio, la riflessione riguarda il pensiero, la ricerca dell’armonia, il rapporto tra l’uomo e l’ordine delle cose. Per Milone entra in gioco il corpo, ma anche la disciplina, la volontà, la sfera trascendente e la dimensione umana che c’è dietro una forza diventata leggendaria. Sono elementi da tradurre in scelte concrete: lo sguardo, la tensione del volto, le proporzioni, il modo in cui lavoro la materia e il simbolismo. Mi interessa che chi guarda possa incontrare una persona, avvertirne la presenza e magari avere voglia di conoscerne la storia.

Sono figure profondamente legate alla storia della Calabria e del Sud, ma appartengono a un patrimonio culturale molto più ampio. Dare loro un volto è anche il mio modo di tornare su questa eredità, interrogarla e farla entrare nel presente attraverso la scultura.

Le tue opere esposte vicino ai Bronzi di Riace, la tua Hera Lacinia sul lungomare di Crotone: che peso ha creare un simbolo per la propria terra?

Creare un’opera per la propria terra è un privilegio, ma soprattutto una grande responsabilità. Significa confrontarsi con la propria storia, con le proprie radici e con un patrimonio culturale che appartiene a tutti noi e che abbiamo il dovere di custodire e tramandare.

Esporre le mie opere al Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria, accanto a capolavori universali come i Bronzi di Riace, è stata un’emozione difficile da descrivere. È un’esperienza che mi ha portato a riflettere profondamente sul rapporto tra passato e presente, sulla capacità dell’arte di attraversare i secoli e continuare a parlare alle generazioni successive. Allo stesso modo, vedere Hera Lacinia sul lungomare di Crotone, nella città in cui sono nato e cresciuto, ha per me un significato particolarmente intimo. È un’opera che nasce dal desiderio di restituire alla mia terra una parte della sua storia, attraverso un linguaggio artistico capace di dialogare con il presente.

Credo, però, che un artista non possa decidere autonomamente di creare un simbolo. Può realizzare un’opera, attribuirle un significato, affidarle un messaggio, ma è la comunità, attraverso il tempo, a riconoscersi in essa e a trasformarla in un simbolo della propria identità. Ed è forse proprio questa la responsabilità più grande: essere consapevoli che un’opera, una volta consegnata alla collettività, smette in qualche modo di appartenere soltanto al suo autore e diventa parte della vita, dei ricordi e della memoria di un luogo. Per me, il valore più profondo dell’arte risiede anche in questa possibilità: creare qualcosa che possa andare oltre la nostra esistenza, continuando a generare emozioni, riflessioni e significati. Se un giorno una mia opera riuscirà a essere riconosciuta dalle generazioni future come parte della propria storia e della propria identità, allora sentirò di aver lasciato qualcosa di veramente significativo alla mia terra.

Portare il cognome Affidato: privilegio o responsabilità? C’è stato un momento in cui ti è pesato?

È entrambe le cose. È un privilegio perché ho avuto la fortuna di crescere in un ambiente in cui l’arte, il lavoro e la creatività sono sempre stati parte della quotidianità. Ma è anche una grande responsabilità, perché portare questo cognome significa custodire una storia costruita con anni di sacrifici, dedizione e passione.

Sarei poco sincero se dicessi che non ne ho mai sentito il peso. Ci sono stati momenti in cui ho avvertito la necessità di dimostrare il mio valore, di essere riconosciuto per ciò che faccio e non soltanto per il cognome che porto. Con il tempo, però, ho compreso che non dovevo scegliere tra raccogliere un’eredità e costruire una mia identità. Le due cose possono convivere. Oggi il mio obiettivo non è semplicemente essere all’altezza di ciò che è stato costruito prima di me, ma riuscire ad aggiungere qualcosa di autenticamente mio a questa storia.

Lavori ogni giorno con tuo padre: cosa vuoi custodire della sua storia e cosa eventualmente cambiare?

Di mio padre vorrei custodire soprattutto i valori che hanno accompagnato il suo percorso: la dedizione al lavoro, il rispetto per il mestiere, la determinazione e la capacità di affrontare ogni sfida senza perdere mai di vista le proprie radici. Mi ha insegnato, prima ancora delle tecniche, che dietro ogni opera devono esserci serietà, sacrificio e responsabilità.

Lavorare insieme ogni giorno significa confrontarsi, condividere idee e, naturalmente, avere anche visioni differenti. Credo sia normale e persino necessario tra due generazioni. Più che cambiare qualcosa, vorrei contribuire a far evolvere ciò che ha costruito, portando la mia sensibilità artistica, la ricerca contemporanea e le possibilità offerte dalle nuove tecnologie. Non credo che il modo migliore per onorare una tradizione sia limitarsi a ripeterla: bisogna trovare il coraggio di farla evolvere, senza tradirne l’identità. È questo il contributo che vorrei dare alla nostra storia.

Hai detto che per te il passato non è mai concluso. Cosa ha ancora da dire la Magna Grecia a un ragazzo di oggi? E come vedi l’arte contemporanea?

Credo che la Magna Grecia abbia ancora moltissimo da insegnare, soprattutto alle nuove generazioni. Non soltanto per la straordinaria eredità artistica e culturale che ci ha lasciato, ma soprattutto per il pensiero che ha saputo sviluppare. Pensiamo a Pitagora, alla filosofia, alla ricerca della conoscenza, al rapporto tra uomo, natura e universo. Sono interrogativi che, a distanza di millenni, continuano ad appartenerci e che, per certi aspetti, risultano ancora estremamente attuali.

Ai giovani direi di non considerare il passato come qualcosa di distante e immobile, ma come una fonte inesauribile di conoscenza e ispirazione. Viviamo in un’epoca caratterizzata da trasformazioni rapidissime, nella quale tutto sembra destinato a diventare immediatamente superato. Proprio per questo credo sia fondamentale recuperare la consapevolezza delle nostre radici. Conoscere la propria storia non significa vivere rivolti al passato, ma acquisire gli strumenti per comprendere meglio il presente e costruire il futuro. Penso che il passato non sia mai davvero concluso finché siamo capaci di interrogarlo e di attribuirgli nuovi significati.

Quanto all’arte contemporanea?

La considero uno straordinario spazio di libertà, sperimentazione e ricerca, anche se non sempre condivido i linguaggi e le direzioni che assume. Credo che oggi, talvolta, si rischi di attribuire maggiore importanza alla spiegazione di un’opera che all’opera stessa, quasi che il valore artistico debba necessariamente dipendere dalla complessità del concetto che la accompagna o dalle dinamiche del mercato dell’arte. Non penso che l’arte debba essere immediatamente comprensibile, né tantomeno limitarsi a una ricerca estetica. Deve avere la libertà di provocare, di denunciare, di mettere in discussione le nostre certezze e aprire nuovi interrogativi. Ma credo anche che debba possedere una propria forza espressiva, capace di instaurare un dialogo con chi la osserva.

Nella mia ricerca cerco proprio questo equilibrio: partire dalla tradizione senza rimanerne prigioniero, recuperare il valore della materia e del fare artistico, ma allo stesso tempo confrontarmi con le grandi trasformazioni del nostro tempo, comprese quelle introdotte dalle nuove tecnologie e dall’intelligenza artificiale. Del resto, ogni epoca ha avuto i propri strumenti e le proprie rivoluzioni. Ciò che conta, a mio avviso, non è tanto il mezzo utilizzato, quanto la capacità dell’artista di trasformarlo in un linguaggio autentico e riconoscibile. Nel mio caso, ovviamente, per deformazione professionale tendo sempre verso la manualità e il fare umano, anche se quello delle nuove tecnologie è un campo che mi affascina molto.

Stampa 3D, digitale, intelligenza artificiale: come cambiano il lavoro dell’artigiano? Opportunità o rischio per il fatto a mano?

Credo che le nuove tecnologie rappresentino una straordinaria opportunità per il mondo dell’artigianato, ma soprattutto che ci stiano conducendo verso una trasformazione profonda della figura stessa dell’artigiano. Stiamo assistendo alla nascita di una nuova identità professionale, una figura ibrida, capace di unire il sapere manuale e la conoscenza dei materiali con le competenze digitali, la progettazione avanzata e le possibilità offerte dall’intelligenza artificiale. Un artigiano che non sarà più soltanto esecutore, ma sempre più progettista, ricercatore e interprete consapevole delle nuove tecnologie.

A mio avviso, il futuro non sarà caratterizzato dalla contrapposizione tra artigianato tradizionale e innovazione digitale, ma dalla loro progressiva integrazione. La capacità di lavorare con le mani continuerà ad avere un valore fondamentale, ma sarà affiancata da strumenti che permetteranno di ampliare le possibilità creative, sperimentare nuovi linguaggi e superare molti dei limiti tecnici e produttivi del passato.

Naturalmente, questa trasformazione porta con sé anche dei rischi. Il principale è quello di confondere la disponibilità di strumenti sempre più potenti con il possesso di una reale competenza. Saper utilizzare una tecnologia non significa necessariamente possedere una cultura progettuale, così come generare una forma non equivale automaticamente a creare qualcosa di significativo. Credo che la vera sfida non sarà insegnare alle macchine a fare ciò che fa l’uomo, ma formare uomini capaci di utilizzare le macchine senza perdere la propria identità creativa.

In questo scenario, anche la formazione dovrà necessariamente evolversi.

Certamente. Non possiamo più immaginare percorsi rigidamente separati tra discipline artistiche, competenze artigianali e conoscenze tecnologiche. Sarà sempre più importante sviluppare una preparazione interdisciplinare, nella quale il sapere tradizionale dialoghi con la cultura digitale, la ricerca scientifica e l’innovazione.

L’intelligenza artificiale, in particolare, ci porterà a ripensare il significato stesso del lavoro creativo. Se alcune operazioni potranno essere automatizzate, diventeranno ancora più importanti quelle capacità profondamente umane come il pensiero critico, la sensibilità, l’intuizione e la capacità di attribuire significato a ciò che realizziamo. Per questo sono convinto che l’artigiano del futuro non sarà né esclusivamente manuale né esclusivamente digitale, ma una figura capace di abitare entrambi i mondi, trasformando la tradizione in una risorsa per l’innovazione.

In fondo, la storia dell’artigianato è sempre stata una storia di evoluzione. Oggi ci troviamo di fronte a una nuova rivoluzione, forse una delle più significative, e credo che il nostro compito non sia quello di subirla o contrastarla, ma di comprenderla e contribuire a orientarla. Il futuro del fatto a mano non dipenderà dal rifiuto della tecnologia, ma dalla nostra capacità di preservare il valore dell’intelligenza umana anche attraverso strumenti che stanno cambiando il modo stesso di creare.

Da docente, cosa diresti a un giovane calabrese che sogna di fare l’artista? E qual è il tuo prossimo sogno?

A un giovane calabrese che sogna di diventare artista direi innanzitutto di credere nelle proprie capacità, ma soprattutto di avere il coraggio di metterle continuamente in discussione. Il talento è importante, ma da solo non basta. Servono studio, disciplina, curiosità, sacrificio e una grande capacità di affrontare le difficoltà senza perdere la propria motivazione.

Fare l’artista oggi non è semplice, e credo sia giusto dirlo con sincerità. Viviamo in un contesto in cui spesso è difficile trovare opportunità, soprattutto in territori come il nostro, dove il patrimonio culturale è straordinario, ma le possibilità di crescita professionale non sempre sono proporzionate alle potenzialità che esistono. Tuttavia, non credo che nascere o vivere in Calabria debba essere considerato un limite. Le nostre radici possono rappresentare una grande ricchezza, a condizione che non diventino un confine.

Ai miei studenti ripeto spesso quanto sia importante confrontarsi con realtà differenti, viaggiare, conoscere altri linguaggi e sviluppare una propria visione critica. Non bisogna avere paura di partire, così come non bisogna sentirsi obbligati a restare. L’importante è non permettere che sia il luogo in cui nasciamo a determinare i confini delle nostre ambizioni. Credo anche che un giovane artista debba imparare a costruire una propria identità, senza inseguire necessariamente le tendenze o cercare un riconoscimento immediato. La ricerca artistica richiede tempo, e spesso i risultati più importanti arrivano proprio attraverso i momenti di difficoltà, di dubbio e di confronto con sé stessi.

E per quanto riguarda i tuoi sogni?

Ne ho ancora tanti, e fortunatamente continuo ad averne di nuovi. Il più grande, in questo momento, è riuscire a dare alla mia ricerca artistica una dimensione sempre più personale e internazionale, confrontandomi con nuove realtà, nuovi linguaggi e nuove sensibilità. Non tanto per raggiungere un traguardo preciso, quanto per continuare a crescere, sperimentare e mettere alla prova ciò che sono capace di esprimere attraverso l’arte. Allo stesso tempo, mi piacerebbe contribuire alla crescita culturale della mia terra, creando occasioni di confronto e opportunità concrete per le nuove generazioni. Credo che il successo individuale acquisti un significato ancora più profondo quando riesce a generare qualcosa di positivo anche per gli altri.

Non so dove mi porterà il mio percorso, e forse è proprio questo uno degli aspetti più affascinanti del fare arte. So però che voglio continuare a cercare, a studiare e a costruire qualcosa che mi rappresenti davvero, senza perdere la curiosità e l’entusiasmo con cui ho iniziato. In fondo, il mio sogno è riuscire a portare la mia arte il più lontano possibile, senza dimenticare da dove sono partito.

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Dal bambino che osservava il padre al banco all’artista che oggi espone accanto ai capolavori della Magna Grecia, il percorso di Antonio Affidato sembra tenere insieme due direzioni solo in apparenza opposte: partire e restare, custodire e innovare, la mano e la macchina. Il filo che le unisce è la ricerca, quella che viene prima della matita sul foglio e che dà a ogni opera, che sia una scultura monumentale o un gioiello di pochi centimetri, la stessa profondità. Un’eredità da raccogliere e da far evolvere, con lo sguardo rivolto lontano ma i piedi ben piantati nella sua terra. Perché, come lui stesso ricorda, il passato non è mai davvero concluso finché qualcuno ha il coraggio di interrogarlo.